Hélio Oiticica: El cuerpo del color.

Lugar: Tate Modern Londres
Fechas: del 6 junio al 23 septiembre 2007
http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions

Oiticica, la emancipación del color

Por Mariano de Blas

Hélio Oiticica (1937–80) fue de los más innovadores artistas brasileños que logró hacerse un lugar en el arte internacional. Ahora la Tate le dedica una exposición en las que se pueden contemplar más de 150 trabajos, incluyendo sus coloristas instalaciones de la época de 1955, que no han sido expuestas en los últimos cincuenta años. Son unas obras que se pueden tocar, penetrar o incluso vestir. En España ya se pudo ver una exposición de Oiticica en la Fundació Antoni Tàpies a finales de 1992.

Oiticica era, además de un artista, un pensador. Estaba muy vinculado a su tierra, nació y murió en Rio de Janeiro, con sólo 43 años. Tuvo una educación muy especial como hijo de un entomólogo que era también fotógrafo y pintor, y nieto de un filólogo y dirigente anarquista. Oiticica llegó a ser muy conocido en Brasil, pero esta exposición le consagra todavía más a nivel internacional, como uno de los artistas más profundos y aventureros de estos últimos tiempos.

Situándose audazmente entre la vanguardia, la cultura popular brasileña, las realidades del ‘subdesarrollo’ y el radicalismo de los sesenta, hizo una profunda reflexión sobre los temas relacionados con el ‘arte’, la ‘invención’ y la ‘libertad’, en nuestro mundo contemporáneo. Se puede decir que Oiticica es una consecuencia de la brillante explosión de la actividad artística que tuvo lugar en Brasil durante los años cincuenta y sesenta, que abarcó música, cine, arquitectura, poesía y artes visuales, en la que Oiticica adoptó una postura muy innovadora con sus Bólidos, Penetrables y Parangolés de mediados de los sesenta.

Oiticica deseaba que el artista se definiera no como "fabricante de objetos", sino como "proponente de costumbres". Sus Bolides sólo tienen sentido cuando se las manipula. Inmediatamente antes, Oiticica había creado Relievos espaciales, estructuras colgantes que el espectador debía rodear, según los preceptos del neoconcretismo.

Pensaba que fue en 1959 cuando empezó a crear su verdaderamente. Fue entonces con Relevo espacial, cuando exploró la desintegración del soporte pictórico y de los conceptos formales de la pintura. El desarrollo un arte participativo, lo denominó "estado de invención colectiva". Esta desconstrucción de la pintura le permitió concebir un arte que ya no era pintura sino un objeto tan accesible como cualquier otro objeto en el mundo.

De formación europea, basada en los maestros de la Modernidad como Paul Klee, Kasimir Malevich and Piet Mondrian, su color se fue liberando del plano pictórico para adquirir una forma espacial, llegando a suspender las pinturas y los relieves, objetos escultóricos, ambientes penetrables, "pinturas habitadas", en forma de capas (prende vestir), tiendas y banderas, todo diseñado para ser llevado y usado moviéndose a ritmo de samba.

Esta experimentación con el color le condujo a plantear nuevos límites del concepto de obra de arte. Sus innovadores trabajos pretenden transformar dicha noción a partir de una nueva relación entre el público y las piezas; buscando despojar a éstas de cualquier sentido contemplativo en beneficio de la indagación en las posibilidades perceptivas del color y de los aspectos sensoriales o propiamente fenomenológicos de éste.

En 1959, Oiticica se convierte en uno de los fundadores del grupo neo-concreto de Río, del que formarían parte: Lygia Clark, Ligia Pape, Amilcar de Castro y Franz Weissmann, y con el que se intenta dar mayor libertad creativa a las propuestas plásticas de entonces, alejándolas del exceso racionalista que estaba implicando el concretismo brasileño. Su trabajo desarrolla entonces un sentido multidisciplinar de obra de arte apelando el empleo de poesía, arquitectura, música e incluso cine.

Con esta exposición se puede apreciar tanto la técnica como el concepto del artista, recorriendo todas sus etapas, ya sean pinturas, guaches, material documental, bocetos, periódicos, planos, videos y maquetas. Esto sirve para ofrecer ejemplos sobre su particular concepción de obra de arte. Están presentes etapas cruciales como: Penetrables (1960-79), Nuclei (1960-66), Bolides (1963-69) y Parangolés (1964-79). Esta muestra que representa una ocasión única para acercarse al trabajo de uno de los representantes más destacados del arte latinoamericano a nivel internacional.

Oiticica quiso crear un arte moderno con carácter brasileño. Para ello se apoyó en una cultura que incide en lo sensorial y participativo. Al animar a la participación en sus obras, Oiticica rompió la noción tradición de "bellas artes", al difuminar la frontera entre arte y vida cotidiana. En sus ambientes interactivos, tales como Tropicalia, lleva a cabo su ideario artístico bajo una distintiva imaginería brasileña. Se pregunta en ¿Es la pureza un mito?, acerca de los significados de la cultura híbrida brasileña y si realmente llega al mestizaje. Declarando orgullosamente que los brasileños son negros, indios y blancos todo al mismo tiempo a diferencia de una supuesta pureza proveniente gran arte europeo modernista. Así se decanta por lo que puede ser visto desde lo europeo como desorden, es decir, por una libertad y por una experiencia comunal, lo que conduce de nuevo a su Tropicalia exponente de una ‘impureza radical’. Trabajo reforzado por la colaboración de los poemas de Roberta Salgado, Tropicalia, trata de las favelas, triste seña de identidad de Rio de Janeiro, en donde el visitante es invitado a penetrar en sus pequeñas pero coloristas estancias.

Además de la exposición propiamente dicha, la Tate le expone junto a otros artistas en otra muestra dedicada a la galería londinense Signals, activa durante la década de los 60s.

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