Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León. Explorafoto. Mascarada/ Masquerade

DA2. Avenida de La Aldehuela s/n. Salamanca
Del 6 de octubre al 8 de enero
http://www.ciudaddecultura.org

Por Rut Martín

Mascarada establece un recorrido por diferentes salas de la ciudad de Salamanca para ofrecernos una completa visión del tema elegido este año para Explorafoto. La exposición del DA2, la más interesante de todas, incluye algunas series inéditas en España de renombrados artistas del ámbito nacional e internacional. Esta muestra es un baile de máscaras en el que, a través de la ocultación se reafirman las identidades impostadas, en el que los personajes surgidos de un deseo explícito de transformación y disidencia logran encontrar su lugar. Dentro del contexto social contemporáneo donde los estereotipos unifican la diferencia en la que anida la individualidad, la raza, el género o la condición social, el símbolo escogido para la representación del personaje -la máscara real o metafórica- se convierte en la afirmación de lo no establecido. La máscara ritual asociada a culturas primitivas, de la que muchos artistas del happening y la performance hicieron uso, cuestiona realidad y representación de una manera más clara que la máscara teatral que basa su fuerza en la construcción de ficciones cargadas de metáforas. Esta ambigüedad se hace manifiesta en el carnaval, baile de máscaras por excelencia, en el que a través de la parodia y la exageración se dinamita la rigidez de las jerarquías impuestas. Todas estas connotaciones de la mascarada conviven con fuerza dentro de los intereses de artistas contemporáneos que quieren visibilizar y romper las fronteras ficticias que reducen nuestros comportamientos vitales hasta el punto de crear historias clónicas, predecibles, de convertir la realidad en la escenografía de una historia ya vivida, ya contada en miles de ocasiones.

De esta manera, las obras de Cindy Sherman vienen a cuestionar, no solo el papel de la mujer (preocupación constante a lo largo de su magnífica trayectoria), sino también el papel del artista inmerso en la sociedad del espectáculo de la que ya nos hablaba Debord. Aquí se presenta la última serie titulada Unititled/Clowns, fotografías manipuladas digitalmente en las que aparece vestida de payaso. Según Douglas Crimp las fotografías de Sherman "se sirven del arte no para revelar el verdadero yo del artista, sino para mostrar el yo como constructo imaginario" (1). Es un acierto incluir junto con las fotografías un vídeo de su proceso creativo que permite entender en mayor profundidad la obra y disfrutar con una de las artistas más interesantes del panorama artístico internacional. Claude Cahun, uno de los referentes directos de Sherman, está presente también en la muestra. Sus fotografías de los años 20 ponen de manifiesto el carácter innovador de esta artista capaz de cuestionar las barreras de sexo y reivindicar el papel de la mujer por medio de recursos de enmascaramiento como el maquillaje y el travestismo. En esta línea podemos encontrar los trabajos de Valie Export, Risk Hazekamp o, en cierta manera, de Orlan que bajo supuestos plásticos muy diferentes pone en tela de juicio la presión social y cultural hacia la mujer. Ulrike Ottinger con sus películas queer propone una renegociación de la subjetividad para relativizar los debates de la teoría tradicional feminista.

En las obras de Irene Andessner, Vasco Araújo, Mira Bernabeu, Larry Fink, Yinka Shonibare sobresale una iconografía teatral ligada a la construcción/recreación de unos personajes ficticios que en el caso de la interesante obra de Andessner se situan en escenografías cuidadosamente elaboradas para adquirir la personalidad de “otro” siendo un proceso no solamente estético sino de identificación con personalidades del pasado histórico. En este caso, las fotografías pertenecen a la serie Barbara Strozzi que fue la compositora más famosa de Venecia del siglo XIX. En esa identificación con el "otro" encontramos la magnífica Zelig (1983) de Woody Allen. En esta película, concebida como un falso documental, el camaleónico protagonista cambia física y psicológicamente al mezclarse con la gente. A través de un lenguaje cómico se apropia de los conceptos de Lacan para cuestionarnos la importancia que tiene la mirada del "otro" en la formación de nuestra propia identidad. Así como en el cortometraje Film Becket partía de la idea de Berkeley de que "ser es ser percibido" Woody Allen da una vuelta de tuerca para decirnos que ser uno mismo a veces significa tener que convertirnos en el "otro".

Por su parte Charlie White, Larry Sultan, Michael Najjar o Alison Jackson cuestionan la naturaleza de la fotografía en lo que Joseph Mª Casademont denomina metafísica de la cultura visual actual, elaborando un campo de reflexión entre lo real, lo ficticio y lo reconocible. Destacan las fotografías de Alison Jackson en el sentido que revelan ese sentimiento de invasión de la privacidad ajena y nos convierten, de algún modo, en creadores de la distorsión de las imágenes que inundan continuamente los medios de comunicación a las que dotamos de una credibilidad sin sentido. En Embedded de Michael Najjar también se critica la manipulación de la información a través de los medios. La simulación y la hiperrealidad son la base de la "mascarada informativa" que necesita ser desentrañada para tener una visión más imparcial y, sobre todo, más justa de los conflictos con los que los estamentos de poder tratan de controlar a la sociedad actual. Pavel Wolberg ha documentado en los últimos años la vida en Palestina e Israel, su obra Purim in Hebron en el que un niño disfrazado de gallina camina por la calle sin darse cuenta de que, a su espalda, hay un soldado a punto de disparar nos habla de la crueldad de la realidad cotidiana en estos espacios bélicos. Larry Fink con un corrosivo carácter crítico ofrece una parodia de los lideres de EEUU al estilo de George Grosz y Otto Dix en la Alemania de la posguerra.

Con influencias de un lenguaje cinematográfico están compuestas las fotografías de la joven Janieta Eyre o de Sam Taylor Wood. Los autorretratos dobles de Eyre en los que adopta una gran variedad de personajes están definidos por obsesiones freudianas y tintes futuristas. Personajes poshumanos que se hacen carne y prótesis robóticas en la obra Epizoo de Marchel Li Antúnez, también presente en la exposición. Hay que destacar la última producción de Matthew Barney Drawing Restraint 9, rodada en 2005 y en la que, a través de su particular iconografía barroca cargada de símbolos y metáforas, trata de reflexionar sobre la creatividad y las restricciones impuestas por uno mismo. En obra de Domingo Sánchez Blanco, vídeo de una performance realizada en el tejado del museo DA2, su alter ego Cagon et Grista trata de deconstruir el museo: "si Cagón fuera rico no quedaría títere con cabeza. Nada de arte grandilocuente, nada de artistas babosos, nada de críticos rancios" propugna a través de su máscara reveladora desde las alturas de la institución artística y como Duchamp travestido de Rrrose Sélavy dinamita todo lo que toca.

En la sala central de la exposición se hace una pequeña mención a los movimientos de Glam Rock y a la escena Drag Queen. Ese punto de teatralización grotesca de artistas como David Bowie, T.REX, Roxy Music o Lou Reed ha tenido una influencia decisiva, no sólo en la escena musical contemporánea, sino también en las artes visuales. Así Leight Bowery, pieza clave del travestismo cultural de los años 80, mezcla esa estética para realizar su particular visión de la moda. Aquí se muestran una selección de modelos y objetos que utilizó en algunas de sus performances.

Esta exposición, por tanto, nos acerca a la confección del simulacro para hacernos reflexionar sobre la necesidad de interpretar esos símbolos que tornan la realidad en representación y que definen muchos de los ámbitos de la vida contemporánea. Las obras propuestas son muy interesantes tanto por su calidad como por su diversidad conceptual y plástica y, aunque con ausencias como las máscaras de Pepe Espalíu -se echan de menos desde el comienzo de la exposición- o alguna referencia a los Parangolés de Hélio Oiticica, esta exposición configura un recorrido visual que sorprende al espectador dispuesto a desempañar su mirada como si de una máscara se tratara.

Referencias:

(1) Douglas Crimp, "La actividad fotográfica de la posmodernidad" en: Jorge Ribalta, Efecto real. Debates posmodernos sobre la fotografía. Barcelona: Gustavo Gili, 2004, pag. 161

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